TU SOLA PRESENCIA MODIFICA EL PAISAJE
Como todo en la vida, la incoherencia y la contradicción es el centro de nuestra relación con el cambio climático. Tenemos deseos utópicos dominados por hábitos atrofiados. Lo natural se siente amenazado por lo edificado. Nuestra pasión por la naturaleza está en conflicto con el deseo de un estilo de vida moderno, calor, luz, movilidad, diversión ….
Tomar el control de la naturaleza siempre ha sido una de las aspiraciones de la humanidad, bien sea para cobijarse o para sobrevivir. Las ansias de dominio y control sobre ella, nos ponen en peligro hasta nosotros mismos, a otros seres vivos y a la tierra. Por todo esto surgen cuestionamientos éticos acerca de esta relación. Si tomamos conciencia, no se trata de control sino de cooperación, ya que formamos parte de esta en completa interacción.
Desde la encrucijada, entre arte, ciencia y tecnología surgen prácticas artísticas que, tomando nuevos conceptos, inciden directamente en el proceso, trasgrediendo los diferentes elementos que conforman el paisaje. Prácticas que buscan la modificación de nuestra percepción del mundo mediante la generación de experiencias singulares.
George Gessert modifica genéticamente flores, y se define a si mismo como un facilitador, Christa Sommerer y Lurent Mignnoneau exploran las posibilidades de la obra como sistema vivo. Otros como Eduardo Kac con su arte transgénico, generaron un gran revuelo.
Christa Sommerer y Lurent Mignonneau “Interactive Plant Growing”
Cuando hablamos de paisajes construidos, imaginados, digitales, modificados, híbridos, hablamos de interacciones entre arte, ciencia y tecnología, redefinimos aquello que entendemos por paisaje y todos los elementos que lo conforman. De esta manera se muestra la forma en que desplegamos nuestra humanidad.
La apropiación, manipulación y rediseño de la Naturaleza han sido una práctica constante de la humanidad hasta nuestros días. En la actualidad, la revolución biotecnológica y la crisis ecológica son algunas de las consecuencias más importantes de esta nueva era conocida como Antropoceno.
"Ahora estamos en un momento muy emocionante donde podemos diseñar la naturaleza ella misma. Entonces, con la aparición de herramientas, técnicas y tecnologías asociadas con la biología sintética, básicamente podemos volver a imaginar, re imaginar, aumentar, mejorar, sanar el medio ambiente y la naturaleza tal como la conocemos. Neri Oxman
Paul Klee nos recuerda que no es posible hablar de la Naturaleza como una entidad independiente de la acción humana. ¿Qué imaginarios configuran este contexto y cómo podemos pensarlos y construirlos críticamente?
En definitiva, el arte la ciencia y la tecnología están contribuyendo a articular un pensamiento crítico en torno a las transformaciones del paisaje (ecológicas, biotecnológicas, ideológicas) que afectan a la Naturaleza.
PRESENTE Y PASADO
El tiempo presente y el tiempo pasado Acaso estén presentes en el tiempo futuro. Tal vez a ese futuro lo contenga el pasado. Si todo tiempo es un presente eterno Todo tiempo es irredimible.
T.S. Eliot
Tradición, nostalgia, conservadurismo, todo ello parece ser cosa de historiadores y antropólogos, parece que ni si quiera se puede dialogar entre artistas y arquitectos.
Al mismo tiempo deseamos la inmortalidad, a través de imágenes bellas, perfectas y atemporales, las personas dependemos de experiencias que marquen el curso del tiempo. El desgaste nos hace recordar el destino final del mundo físico y nos coloca concretamente en el flujo del tiempo. Una piedra en la mano transmite la experiencia del tiempo pasado.
En nuestro entorno no existen trazas de tiempo e historia, en este mundo contemporáneo no se promueve el arraigo, ni el sentido de pertenencia, al contrario; existe un aire de alienación, desapego y poca empatía.
Si comparamos los paisajes contemporáneos con las ciudades históricas, podemos diferencias entre un tiempo plano y otro espeso.
La conciencia humana vive en un equilibrio, como dice John Ruskin. “ la imperfección es, en cierto modo, esencial para todo lo que conocemos en la vida. Ningún ser vivo es o puede ser rígidamente perfecto. Una parte de el es decadente; otra parte paciente…. Y en todas las cosas que viven hay ciertas irregularidades y diferencias que no son solo signos de vida, sino fuentes de belleza”
OTEIZA-RENTZAT ETXE BAT ( www.eloilandia.com )
“EL TERRENO NO ES EL ESCENARIO DE LA OBRA, ES PARTE DE LA OBRA”
(Walter De María)
A fines de la década de 1960, en el campo del arte en Estados Unidos, estaba lleno de jóvenes que buscaban la paz, el amor y la libertad. La mayoría de ellos también estaban preocupados por el medio ambiente, porque la industrialización y los hábitos de consumo de la sociedad estadounidense habían provocado una sobreutilización del medio ambiente.
Uno de los representantes más auténticos de este movimiento ( Land Art), el artista Walter de María propuso en 1977, una intervención de arte vivo hecho en o junto a la tierra. El objetivo; despertar nuestra atención sobre el gran poder de la naturaleza, y cuestionar las limitaciones del arte.
La instalación de aproximadamente una hectárea en el desierto de Nuevo México con 400 pilares de acero inoxidable y de unos seis metros de altura que se hundían en el suelo a una distancia constante de manera equilibrada + las nubes a su paso que descargaban electricidad generando un campo de truenos y relámpagos ante la presencia del espectador que lo observaba, formaron una hermosa “danza de luz en la oscuridad”.
Además de la connotación de tiempo y espacio, el artista afirma que su obra es la participación del público, porque la simple reproducción fotográfica no muestra todo lo que W. de Maria quiere mostrar, sino que requiere una experiencia vivencial. La identidad del visitante, es decir, entrar en la obra, hace que la creación tenga significado. Del mismo modo, la naturaleza ya no es un simple escenario, sino parte de la obra, la naturaleza se convierte en creadora para darle pleno sentido y transformarla.
La relación del individuo con el espacio es fundamental al igual que el recorrido. El espacio nos enfrenta con nuestro cuerpo, tiene direcciones, condiciones, distancias, etc., pero lo más importante es que la experiencia del espacio también implica una transición, un movimiento instantáneo del espacio.La relación con el espacio significa una estética incierta, porque necesita interactuar con el espectador o permitir múltiples lecturas, por lo que se pueden aceptar diferentes resultados o efectos. El artista interviene modificando el espacio, reflejando la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, reflexionando sobre la degradación ambiental que existe en la actualidad. El paisaje es una parte esencial de la obra. .
Derridá prefiere hablar de arte espacial más que de arte visual, porque cree que el espacio no se ve afectado por la mirada (que es reductiva), sino que está relacionado con el pensamiento. Lo que llama pensamiento es: un estar interpretando.
Las imágenes y relatos que generan los viajes espaciales tienen un papel esencial en la gestación del Land Art, suponen una ampliación del campo de pensamiento sobre el espacio sin precedentes, que sitúa la mirada repetidamente en la frontera con la oscuridad de lo ilimitado. Javier Riera
ARTE PÚBLICO Y POLÍTICAS DE ESPACIO.
“La meta básica del arte público es desmitificar el concepto de creatividad. Nuestra intención es la de volver a ser ciudadanos. No estamos interesados en el mito que se ha creado en torno a los artistas y por los artistas. Lo que nos importa es la misión, el programa y la obra misma. Por medio de acciones concretas, en situaciones concretas, el arte público ha adquirido un cierto carácter. Una de las creencias fundamentales que compartimos es que el arte público es no-monumental. Es bajo, común y cercano a las gentes. Es una anomalía en una democracia celebrar con monumentos. Una democracia real no debe procurar “héroes” ya que exige que cada ciudadano participe completamente en la vida cotidiana y que contribuya al bien público”.
Siah Armajani
“Un arte en verdadera confrontación”
Como se ve en gran parte del arte público, la historia es básicamente la de estas grandes esculturas que adornan las plazas privadas. La idea del arte que se deja caer en un espacio que no tiene relación alguna con el sitio, a menudo obras de arte permanentes, son verdaderamente cuestionadas por las nuevas generaciones.
Por otra parte, hay artistas que realizan composiciones interactundo con las comunidades y adaptándose a los ritmos del entorno. Existen entonces otras maneras de articular el arte con la ciudad, más allá de las grandes esculturas, algunas son iniciativas colectivas que nacen en la comunidad misma, otras son propuestas desde la institución, a través de mecanismos de inclusión, convocatorias abiertas a artistas, proyectos de fondos participativos, etc.
Jeanne van Heeswijk es una artista que facilita la creación de espacios públicos dinámicos y diversificados para “radicalizar lo local”. Sus proyectos a largo plazo integrados en la comunidad cuestionan la autonomía del arte al combinar acciones performativas, discusiones y otras formas de organización y pedagogía para ayudar a las comunidades a tomar el control de su propio futuro.
ARTE ECOLÓGICO
Educación ambiental, empatía emocional y reflexiones artísticas. “El Environmental art, tiende a emplear la naturaleza como un medio, con el fin de mejorar la conciencia del espectador acerca de las fuerzas, procesos y fenómenos naturales” Sue Spaid (Curadora y filósofa estadounidense) Podríamos definirlo como aquellas obras con un mínimo impacto ecológico y un reducido consumo de recursos energéticos y materiales, que logran desvelar una cuestión ecológica o nos conmueven de algún modo para trasformar nuestros hábitos y creencias acerca de nuestra relación con la naturaleza. Un vehículo apropiado para la expansión de la conciencia ambiental. En este caso Lucía Loren desarrolla unos pechos de sal de grandes dimensiones, que sirven de alimento del ganado y subrayan el carácter maternal de la Tierra.
Lucía Loren. (Madre sal, 2008.)
PERCEPCiONES
John Cage afirmaba que con el aburrimiento se comienza a abrir la conciencia. Hace años en la Documenta de Kassel se suponía que Cage iba a dar un concierto de piano durante una performance de FluKus. Tomó un micrófono y dijo que iba a ser un concierto muy aburrido ("Por favor, abandonen la sala”). Repitió su petición durante cuarenta y cinco minutos, Y al final la gente comenzó a irse. Dio un concierto para unos pocos oyentes persistentes. Pero fue fantástico. Realmente aburrido, pero, después de todo, nos conmovió. Solamente tocó una nota en el piano durante mucho tiempo y fue entonces cuando me di cuenta de que tenemos miedo de no hacer nada, pero que no hacer nada abre la puerta a percepciones diferentes.
Texto: Marina Abramović ( conectando creaciones )
EMULAR EL CUBO BLANCO ?
“Se vienen nuevas maneras de pensar el museo y por lo tanto nuevas maneras de pensar las estrategias digitales. Nuevas maneras de pensar los contenidos y nuevas formas de participación. Hay una necesidad real de ser creativo en este momento”
Christian Díaz, Bahía Blanca (Buenos Aires).
Puede ser algo muy interesante, crear un espacio digital de una manera provocadora, la idea es crear un espacio no al uso. Desarrollar una exposición como si fuera un juego, con otra estética y otra experiencia diferente a la de una galería o un museo real, desarrollando formas innovadoras de experimentar el arte y concebir exposiciones.
¿ Porqué reproducir tu museo real en el entorno digital cuando puedes replantear el espacio y desarrollar diferentes composiciones al mismo tiempo ?
Children of Cyberspace, o Gate22 son proyectos en desarrollo, que tiene como objetivo la creación de un museo virtual dedicado al arte digital. Un lugar donde los artistas pueden exhibir su trabajo, en un mundo virtual abierto.
https://lnkd.in/eTYhSAd
https://gate22.net
+ composiciones para conectarse, compartir y experimentar arte virtual con otros.
https://museumor.com
https://dimoda.art
"La OSCURIDAD como concepto de atracción hacia lo que no se puede ver pero si sentir"
Paseando en la ciudad por la noche, uno puede ver las líneas dibujadas por las luces es sus calles. A veces, son lo único visible en la oscuridad que se expande. La distancia, la quietud de la noche y la desaparición de todo, nos permiten ver su forma con una claridad inesperada. En una era de creciente dependencia de la luz y de la actividad diaria prolongada, una imagen en la noche, se convierte en una descripción reveladora de un lugar ocupado e insostenible.
Sonido : Falling Light - I & II | Sunny Graves
KYKEON Behind the scenes
Ya en los años 50 los artistas sentaban el precedente de los desarrollos posteriores en el arte de la instalación y del arte inmersivo.
“Nuestra intención no es abolir el arte del pasado, ni acabar con lo vivo: queremos que la pintura emerga de su marco y la escultura de su vitrina”
Lucio Fontana,
Manifiesto Espacialista ( 1948 )
"Dos ojos una mirada, dos oídos dos sonidos"
Un paseo sonoro como una nueva narrativa, trasformando la percepción de la realidad..